La Dirección de Extensión de la Universidad del Bío-Bío, en alianza con Centros Culturales, Organizaciones literarias y Municipalidades locales, le invitan y convocan al X Encuentro Poético Chile, Argentina y América, que se realizará en Concepción (Chile) y otras localidades, del 11 al 14 de noviembre de 2026, con participación en formato presencial o virtual (vía Zoom), en sesiones diarias de 2 horas, a.m. y p.m., y traslado local aportado por la Universidad, asignado por orden de inscripción de los seleccionados; cupos limitados. La inscripción y participación en este Encuentro es gratuita.

Esta iniciativa, surgida en alianza con centros culturales de la Región del Biobío y sus relacionados, contribuye a la difusión de la poesía en castellano de numerosos poetas con y sin trayectoria, y también poetas con publicaciones, reconocimientos y premios. La participación activa es para poetas seleccionados y como oyentes, para otros poetas. Cada poeta seleccionado debe asistir a más de 2 recitales para acceder a diploma. Los recitales son públicos y transmitidos online vía Facebook (www.fb.com/artesubb1).

Cada poeta que participa en forma presencial accede a: recitales poéticos, lecturas localizadas, visitas a centros escolares, breves exposiciones de libros, entrega de libros a bibliotecas, café poético diario, espectáculos, festejo y paseo poético. Un variado programa en el que la poesía es lo principal.

También en los recitales poéticos habrá homenajes a poetas de América y breves presentaciones de libros (video). La cena de camaradería (viernes 13) y el paseo-almuerzo (sábado 14; 9.30 a 15 horas), requieren de un pago. Más información y ficha de inscripción en el QR del encabezado.

Envíe la ficha de Inscripción (anexa), antes del 22 de septiembre, con sus datos, el poema para participar e indicando en qué forma participa, a encuentropoetico@ubiobio.cl La duración del poema no debe exceder los 120 segundos. Los resultados de la selección serán comunicados el 30 de septiembre.

La poesía nos convoca y nos espera en la Universidad del Bío-Bío (Concepción, Chile).
 
Equipo Coordinador
X Encuentro Poético Chile, Argentina y América
Dirección de Extensión de la Universidad del Bío-Bío

+56 9 9445 4724
encuentropoetico@ubiobio.cl
Concepción, Chile

Toda la información en el link:
https://drive.google.com/drive/folders/1wVDffrau4z0k8WA-9dhiXK3JB7AnsgYo?usp=sharing

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Como un atardecer de invierno,
la sombra fue apagando la luz de mis ojos.
El río y las casas, cercas y calles,
siluetas, fulgores, se iban borrando.
Niebla, tarde, lluvia,
en mi pecho se agitaban con temblores de aflicción.
Miradas, sonrisas, los rostros amados, se desvanecían.
El mundo retrocedía lentamente a mi alrededor.
El miedo se apoderaba de mi ser.
Me agobiaban las preguntas, la falta de respuestas.
Debía hacerme y rehacerme en un continuo esfuerzo.
Conocí la extraña sensación de ser distinto y me puse una y mil máscaras.
Una y otra vez renegué de Dios.
Añoraba no saber, dormir, descansar, no oír los martillos de mi corazón.
Pero, a pesar de todo, había algo que empezaba a despertar.
Era un soplo, una débil esperanza, un sentir en la piel.
La sombra empezaba a enseñarme,
a moldearme en una nueva fragua, en un nuevo y sabio útero.
El oído, el tacto, el olfato, el gusto, buscaban, conocían.
Se acomodaban los aciertos y los errores.
En ese fluir misterioso había dolor, también crecimiento.
Los más pequeños detalles de la vida alcanzaban una dimensión nueva.
Ni Demócrito, ni la media luna del persa, ni la espada del danés,
sólo el hombre ante sí mismo.
Y la mujer, en fina arcilla moldeada
me enseñó su corazón y la flor abierta de sus labios.
Y descubrí en su vientre una playa tibia.
En sus manos suaves, una honda promesa.
En su voz, un arpegio del amanecer.
Y nací de nuevo, y seguiré naciendo y muriendo
Hasta disolverme, como en el mar la lluvia.

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La lectura de este libro del poeta chileno Galvarino Santibáñez (Mejillones, 1959), realmente, ha sido una sorpresa escrituraria. El texto llegó a mis manos gracias a la benevolencia del amigo escritor -narrador y poeta lírico- Sergio Infante Reñasco, quien en una dedicatoria dice “te mando este libro de un gran poeta chileno que vive en Suecia. Sé que lo sabrás apreciar”. Efectivamente, ha sido así como lo manifiesta Sergio. Hemos descubierto a un poeta notable al concluir la lectura de su obra Rendición de cuentas. En realidad, lo he leído dos veces para poder apreciar mejor en el acto de lectura la solvencia poética de este autor que estudió Pedagogía en Castellano en la Universidad del Norte de Antofagasta. En la portadilla se comunica que reside en Suecia desde 1982.

Este detalle es significativo para comprender la poética de Galvarino Santibáñez. La poética es el modo como el creador aprehende la realidad y la expresa mediante el lenguaje lírico. En este sentido, la manera de articulación del lenguaje del poeta Santibáñez no podrá dejar indiferente al receptor. Una de las cualidades, efectivamente, de la textualidad está asentada en las modulaciones discursivas en que se encapsulan los tres estamentos de que está estructurado el libro. La prologuista califica que estamos en presencia de una obra sinfónica; por nuestra parte, la calificaría de polifónica. En otras palabras, múltiples voces que en el caso de la escritura literaria suenan o se manifiestan lingüísticamente al mismo tiempo con una igual importancia. Las tres instancias, a su vez, ofrecen una tríada donde confluyen distintos compases que llevan desde una obertura hasta una conclusio, pasando por un segmento aglutinador en consonancia con los otros dos. La voz del sujeto lírico tiende a la trasmutación del habla poética lo que es interesante en la configuración de la discursividad.

“Quitemos la corteza, al meollo entremos” -Gonzalo de Berceo, dixit, quien es convocado en el decir poético por Galvarino Santibáñez. El maestro del mester de la clerecía poética medieval enuncia esta frase cuando en la introducción a su obra Milagros de Nuestra Señora describe el tópico del locus amoenus, tal como la tradición clásica en la retórica lo presentaba, y luego empieza la interpretación textual sobre la base de las concepciones propias de la época en que vivió. Es decir, la cosmovisión trascendental de la historia. Exégesis y hermenéutica aunadas.

Cabe preguntarse, entonces, qué es lo que significa la textualidad poética contenida en la obra del poeta chileno viviendo en Suecia desde al año indicado en la solapilla. Qué significará el título Rendición de cuentas, una frase casi coloquial y pedestre que apunta a una especie de catastro o mostrar un balance ante otros de parte de una persona, o bien dar cuentas ante un tribunal de los actos. Un título enigmático que se revelará en el transcurso de la lectura. Por otra parte, la tapa y la contratapa -que en cierto modo son el envoltorio de una obra- son negras. Esta tonalidad -por así denominarla- generalmente alude a la ausencia de la luz. La oscuridad es la negación de la luz. El nombre de la obra destaca en ese trasfondo, al igual que el del autor -en color azul, cuya connotación es altamente positiva; el negro, por el contrario, nos lleva al dolor, al duelo, y a la muerte. En las primeras páginas nos encontramos con una foto del poeta esbozando una tenue sonrisa y unos ojos vivaces que encierran cierta nostalgia -palabra que nos lleva a la pérdida de un tiempo o lugar y que implica una tristeza melancólica que, a su vez, conduce a los recuerdos.

La textualidad de la obra de Galvarino Santibáñez está configurada como una tríada. El número tres, a su vez, tiene connotaciones simbólicas desde tiempos inmemoriales. Como receptores no sabemos si este poemario fue concebido del modo en que lo leemos, o bien las tres instancias se aglutinaron para su emergencia. Las modulaciones líricas con que se encuentra el sujeto lector o lectora, nos introducen a una poética que problematizan diversos aspectos de la realidad y del imaginario del autor. Las lecturas propias están a la vista no sólo en los epígrafes sino en las intertextualidades que se despliegan en los tres segmentos, que un lector cortazariano podría leer como le plazca siguiendo el juego de Rayuela, es decir, entrando por cualquiera de los que componen la triada, pero el sentido hermenéutico nos indica que el sendero propuesto es el valedero.

El receptor primero debe saber qué es lo que nos lleva a la rendición de cuentas. La propuesta poética de Galvarino no es de fácil lectura. Es una poética compleja donde confluyen diversas retóricas de distintos tiempos con los que el poeta ha dialogado y que ahora le sirven para el constructo poético. En realidad, lo que se despliega ante quien lee es la intrahistoria del sujeto hablante -la trasposición lingüística del sujeto histórico viviendo en el país nórdico-. Galvarino Santibáñez es un poeta barroco o del neobarroco. Las instancias poéticas más complejas son precisamente aquellas que lo asocian a esta perspectiva estética donde el sistema, norma y habla de la lengua -como explicó Coseriu hace décadas- son puestos en jaque. El sentido extrañador del lenguaje con imágenes retóricas sorprendentes nos lo muestran como un Quevedo posmoderno. Del mismo modo, la retórica de las jarchas y juglaresca medieval, y las resonancias poéticas del Arcipreste de Hita colocadas en acto en el siglo XXI son también un acierto, así como la poética rabelesiana, lo que nos conecta con una visión carnavalesca de la vida y de la historia -Mijail Bajtin de por medio- lo que nos va planteando que también esta obra tiene un aspecto lúdico sobresaliente donde la ironía, el sarcasmo, la risa son componentes de la tríada, además de la nostalgia, el amor y la muerte. La textualidad no sólo nos presenta el lenguaje versal, sino también la prosa que puede ser lírica, pero incluso como mera prosa tipo ensayo strictu sensus o una irrisión de este tipo discursivo con otros semejantes, como los últimos que encontramos en el libro donde la actitud carnavalesca se hace presente en una apócrifa conferencia o un artículo sobre José Donoso como traductor de un texto de Henry James estilo borgeano.

La apertura de la tríada se denomina Hoja debida. Sin duda que el sujeto hablante está planteando al lector una actitud lúdica con esta denominación. Es distinto leer la frase que pronunciarla debidamente -valga la redundancia. Este primer segmento apunta sobresalientemente a la deuda del poeta con la lírica castellana. De allí la recuperación gozosa del formato de las jarchas hispano medievales que fueron las primeras formas poéticas del incipiente idioma castellano. En este sentido, el poeta Galvarino logra escribir las mejores jarchas del siglo en que nos movemos y existimos guardando el espíritu de aquellas de los inicios de la lengua castiza: “¡Vámonos de aquí, / galana, / al alba! // ¡No, amigo, / no sin gozo ni canto / ni vino!”. Viviendo en Suecia esta deuda debida -o de vida- alude a la lengua madre hispánica.

El segundo segmento de la tríada se llama Otredades. La palabra alude no sólo a su condición de un poeta de la diáspora en el país sueco, sino también a su tierra natal. En otras palabras, doblemente es otro en ambas latitudes. En esta parte se encuentran una serie de poemas donde Galvarino Santibáñez va dando rienda suelta al estar en el mundo otro, añorando el otro. De forma sobresaliente los poemas convocantes de poetas líricos y escritores contemporáneos da a esta sección un deslumbramiento especial. Notable es aquel largo poema donde el evocado es Nicanor Parra, el antipoeta, por lo bien logrado del uso de la lengua parriana para llamarlo al presente escriturario y el sarcasmo y la ironía para referirse a un crítico literario sin nombrarlo, pero que es fácilmente identificable: “El Antipoeta deja eso sí / un solo exégeta en todo el país / que cree saberlo todo / sobre su obra poco gruesa / -es la pura y santa verdad, para qué estamos con cosas- // Un cura que se enamoró de él / perdidamente / y que desde entonces lo acosa / -literariamente se entiende- / escribiendo sobre sus antipoemas”.

El tercer momento de la tríada es Plan de fuga una propuesta existencialista a partir de la otredad donde prevalece el sentido de la disconformidad del estar en el mundo. La diáspora transformada en una situación donde el sujeto hablante adopta muchas veces la autoironía: “Te ves más viejo que nunca / en este espejo recién comprado”. Instancia destacada es el dedicado al motivo literario de la muerte en el nombrado Rondó con un recado a Francisco de Quevedo -recado remite a Gabriela Mistral, siempre el dialogismo en esta poética de Galvarino. La muerte como en las Danzas medievales, además: “A los cuarenta / la muerte nos sorprende con el primer agarrón”.

En definitiva, como lo expresamos al comienzo, la lectura de esta obra poético lírica de Galvarino Santibáñez ha sido un verdadero placer estético al descubrir un poeta chileno de la diáspora realmente destacado por la propuesta escrituraria que propone al receptor de su textualidad.

(Nota bene. Gracias, amigo Sergio Infante Reñasco, por permitirnos caminar por los senderos de Galvarino).

Galvarino Santibáñez: Rendición de cuentas
Antofagasta: Pampa Negra Ediciones. Colección Pleamar. 2026. 203 pp.

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El profesor Renzo Rosso Heydel declara en el prólogo de uno de sus bellos poemarios que nunca le faltó el tiempo para escribir, aunque recién a los 62 años decidió hacer de la literatura su actividad principal. Casado con Anna Odone Odone (su “Dama”), reconoce que nunca termina de “cerrar” un poema sin antes preguntarse si será del agrado de ella. Una hija (artista), tres nietos y un bisnieto completan su núcleo familiar.

Rosso descubrió la lectura a muy temprana edad, su aprendizaje no revistió dificultades, “se le hacía fácil”, lo que sin duda incentivaría su apego a los libros. Una enfermedad pulmonar a los 5 años lo obligó a un estricto estado de reposo, contribuyendo a incrementar esta naciente afición. Tiempo después, ante la consulta (y posterior sorpresa) de su padre, respondería solicitando como regalo de cumpleaños el texto completo de La Araucana, de Ercilla, ya que la lectura de algunos de esos versos lo habían deslumbrado. La colección juvenil “Robin Hood”, de la editorial argentina Acme, comenzó a fascinarlo por entonces, “devorando compulsivamente” la variedad de autores que ostentaba aquel catálogo de tapas amarillas.

Más tarde, su pasión por el lenguaje lo conduce a estudiar la carrera de castellano en la Universidad Católica, donde destacados académicos como Ernesto Livacic Gazzano, Hugo Montes, el Hno. Martín Panero y el Padre Raimundo Kupareo, entre otros, le transmitirán su comprensión, conocimiento y amor por la literatura. Apenas titulado, inicia su trabajo como profesor en el Colegio San Ignacio El Bosque, en el que permanecerá durante 36 años. En esa institución, además de ejercer la docencia, impartirá talleres literarios, se desempeñará como Coordinador Técnico Pedagógico y, luego, como director de Educación media, esto último durante 10 años. Posteriormente, concluye su trabajo docente impartiendo la asignatura de Expresión Escrita en la Escuela de Educación de la Universidad Alberto Hurtado.

Su primer volumen de poesías aparece en 1979, Distancias, e inicia así una serie de publicaciones en este ámbito. Entre otros libros, publica: Hoja de Poesía, 1982, Magdalena la María, 1992, Secuencias, 2001, Apuntes y Poesías, 2005, Tal vez es cierto que el Tiempo No existe, 2010, Mirando y Mirado el Mar, 2011, editado por el Instituto Chileno Italiano de Cultura, y traducido al italiano. Rosso ha sido incluido en variadas antologías y publicaciones literarias, y algunos de sus poemas han sido traducidos, además del italiano, a idiomas como el portugués, el alemán, el ruso y el japonés. En 2021 nos entrega Con las Alas de la Tarde, y en 2025 Melodías en el Silencio.

Durante sus años de creación participa en instituciones como PEN Chile, Sociedad de Escritores de Chile, Católicos por el Arte, Corporación Artística Caballo de Fuego y Grupo Fuego de Poesía, en las que ejercerá labores directivas y de gestión.

En la obra de Rosso hay, o parece haber un ejercicio lógico, quizá un esfuerzo excesivo, a ratos, por racionalizar, pero sin duda presenta virtudes creativas invariables, valores estéticos que fluyen y se manifiestan a través de los versos aun cuando las temáticas cambien, ya sea este cambio sutil o drástico. Una ajustada elaboración de la síntesis, un vocabulario que no busca protagonismo por sí solo y un uso del ritmo lírico que no desdeña la métrica, pero la incorpora ya bajo dominio de su propia fuerza expresiva.

Cómo tarda (Distancias, 1979)

¡Cómo tarda
todo tanto!

Tu antigua fuente en colmarse
con el agua que me sacia
y tu ser en liberar
todo su fuego; la brasa.

Todo amor es este amor,
caminos que nos alcanzan,
pasos antiguos o nuevos;
otra senda en la distancia.

¡Supieras como me siento
en sonrisas, triste, blanda,
libre, cautiva, desnuda,
sangre en tus venas ya blancas!

¡Cómo tarda todo tanto!
Nada consume mi llama.

Los profesores de literatura y Miembros de la Academia Chilena de la Lengua Rosa Cruchaga y Ernesto Livacic Gazzano (entre otros) tuvieron la oportunidad, en distintos momentos, de interiorizarse y comentar la obra de Rosso. Cruchaga destacó la “honda, sincera y profunda inspiración” del autor. Livacic hizo notar en su poesía una “forma de ascetismo que quiere situar a la palabra en su propio límite… una economía de palabras que sugiere el castigo de la escritura, su depuración a través de muchos destiladores…” resaltando también que Rosso “posee el idioma del cansancio, cierta tristeza y profundas impaciencias” (Las Últimas Noticias, 15 de septiembre de 1979).

En palabras del Directorio de PEN Chile, que lo ha distinguido, destacando que la obra de Rosso ha sido celebrada en Chile y el extranjero, “su voz poética, lúcida y crítica ha dialogado con la memoria, la justicia y la belleza”, resaltando además que “en sus versos la lejanía y la ausencia se transforman en savia del alma, y el tiempo se vuelve materia de reflexión ética y estética”.

En un ámbito de complicidad autor-lector, se podría decir que siempre, la poesía de Rosso trasunta una dolencia afectiva, un espíritu vulnerable e inquieto que se desliza a través de las palabras. Va emergiendo durante la lectura un mundo interior, pero no de manera explícita, sino consciente (o inconscientemente) velada, etérea y sinuosa, alternando sentimientos y reflexiones en claroscuros.

Golondrinas para Arianna (Secuencias, 2001)

l

Después, hija…

¿Qué ha sido
después
que tú naciste?

(Una suave golondrina
se aleja en su vuelo
saliendo desde el ansia
desconocida de la aurora).

ll

Hija,
vas saliendo,
elegante,
en tu vuelo.

Les anuncio

Les anuncio
que voy a renunciar.

No me pidan
otro paso
donde no hay sendero.

Considerando que la poesía, como toda manifestación artística, debe transmitir sensaciones, y navegar, a través del pensamiento, la lectura atenta de este autor permite aquilatar la arquitectura íntima del creador leal a su sentir, constante y coherente en su modo expresivo. Esta experiencia de dar vida poética a su ser interior construyendo al mismo tiempo realidades lingüísticas novedosas, razonadas a ratos, desestructuradas -en apariencia- en otros tantos (aun con un dejo emparentado a la antipoesía), y manteniendo un aura de creación clásica, que se manifiesta en el tono lírico de búsqueda de lo sublime, es algo que siempre sorprende en los poemas de Rosso. Además, la palabra y el signo conciso, certero, y la ausencia de expresiones calificativas, son virtudes anheladas e irrenunciables.

Venir e irse (Mirando y Mirado el Mar, 2011)

Me he visto venir
con los pasos tímidos.

Me iré ahora con ellos,
cuando compruebe
la inutilidad
de mi poca fuerza.

Amor del minuto inexistente

Te quiero
donde nadie
te quiere,
en el instante
y minuto
de lo inexistente;
donde no puedes
ser, ahí
se consuma
el segundo
de mi amor
por ti.

Otra adolescencia (Con las Alas de la Tarde, 2021)

La última vez que te
vi teníamos dieciocho años.

Hoy estoy viejo,
con achaques
y mañas.

(Se acabó mi paciencia
que era comparada
con la de personajes
bíblicos o proverbiales.)

Me siento mal,
y camino pierna torcida.

¿Y tú? ¡Tan linda!

Tienes dieciocho años.

Seré contigo (Melodías en el Silencio, 2025)

Llámame,

contigo seré

madre, padre,

amante, hijo

o toda criatura

del universo

si tan sólo

me pronuncia

tu labio,

con amor.

BIBLIOGRAFÍA Y REFERENCIAS DE RENZO ROSSO H.

1.- Poemarios Personales. Distancias, 1979; Hoja de Poesía, 1982; Magdalena la María y Digo, 1992; Secuencias, 2001; Apuntes y Poesías, 2005; Tal vez es cierto que el Tiempo No existe, 2010; Mirando y Mirado el Mar, 2011; Id. Traducción del Instituto Italiano de Cultura, 2011; Con las Alas de la Tarde, 2020; Melodías en el Silencio, 2025.

2.- Colectivas. Lugar y tiempo de Poetas, 1985; Escritores del Mundo, 1995; Vísperas y Amaneceres, 1999 Escritores de Fin de Siglo, 1999; Antología de Imágenes de Océanos, 2000; Cazadores de Sueños, 2002; Nacidos para Amar, 2004; Los Ángeles de Imágenes, 2006.

3.- Antologías del Frente de Afirmación Hispanista Chile – A.C. México. Breve Polifonía hispanoamericana, 2005; Lírico Enjambre Hispanoamericano, 2007; El Mar en la Poesía Chilena Contemporánea, 2007; El Amor en el Bicentenario de Chile y Chile Cantado por sus Poetas, 2010; Cristales para un Vitral, 2014; Colmenar de Música, 2016; Antología Chilena del Haikú Clásico, 2016.

4.- Otras Antologías. Lugar y Tiempo de Poetas, PRN Chile, 1985; La Poesía de una Emigración, 2006; Antología Premio Literario Giulia Gonzaga, Fondi Italia, 2009; Antología Chilena del Haiku Clásico, 2009; Chile Cantado por sus Poetas, 2009; Antología de Fuego, del Grupo Fuego de la Poesía, 2010; Tiempo de Vivir, 2010, 200 años de poesía Religiosa en Chile; Treinta Escritores de Chile, 2013; Voces para el Tiempo, 2013; Espejos de la Palabra, Ed. ABRACE Montevideo, Español – Portugués, 2013; Ensayos y Artículos de la Asociación de escritores Ítalo – Chilenos, 2018; Nueva Poesía y Narrativa Hispanoamericana del Siglo XXI, Ed. Lord Byron, Madrid; Antologías Literarias de PEN Club Chile: Vivir y Contar, 2020. Antologías de Letras Mediterráneas de Poesía y Narrativa, Argentina, 2020; Cuadernos literarios de PEN Chile, 8 cuadernos publicados, último ejemplar 2025.

5.- Otras. Artículos Literarios en Cuadernos Literarios de PEN Club de Chile, Revistas de la Corporación Artística Caballo de Fuego, Revista Cultural La Mancha de Quilicura y Sección de Referencias Críticas de BIBLIOTECA NACIONAL VIRTUAL. Experiencia de la Generación del 38 y el Problema de su Denominación; Misa de Réquiem de Guillermo Blanco, un trabajo de Síntesis Cultural; Tuyo y Mío, un Discurso Cervantino.

6.- Referencias. Diccionario de la Literatura Chilena de Efraín Szmulewicz; Carnet Lírico de Chile de Elsie Wood; Renzo Rosso, Poeta de la Intimidad, de Eduardo Baquedano; Referencias Críticas de Biblioteca Nacional virtual; Poesía de Renzo Rosso Heydel, por Ariel Fernández Desimone, Cuaderno Literario PEN Club Chile 2015. Internet. Buscadores (Metapoesía, Letras de Chile, Mil Frases, varias).

7.- Traducciones. Numerosas traducciones parciales. Espontáneas en Internet: japonés y ruso. Antologías: italiano, portugués, francés. Revista rumana Horizonte Literario Contemporáneo, con traducciones también al rumano, francés e inglés en varios números

8.- Galvano. “Para el eminente profesor y escritor, Sr. Renzo Rosso Heydel, por su constante y valioso aporte a la Literatura de Chile”. Corporación Artística Caballo de Fuego, Santiago, junio de 2008.

Diploma de Honor. PEN Chile: “En sus versos la lejanía y la ausencia se transforman en savia del alma…” Santiago, noviembre 2025.

Diplomê et trophée d’Excellence Traducción Francés – castellano: “…en reconocimiento a su obra poética y a su contribución a las relaciones culturales entre Rumania y Chile”. Juillet 2025, Bucarest – Dijon.

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PRÓLOGO DE DIEGO MUNOZ VALENZUELA

Lo primero que constato al emprender la misión de comentar el poemario “Árboles y una punzada de rescate” de Alejandro Urrutia es que se trata de una poesía profunda, intensa, sin concesiones, a la que es preciso entregarse para poder sumergirse en ella y disfrutarla como es debido. Es decir, dejarse llevar por la voz del poeta, entregarse a la sonoridad de las palabras, a la adivinación de sus ritmos y al juego de sus sugerencias. En ese sentido, se encuentra a mitad de camino entre la literatura y la música, y desde esa posición debe ser leída.

La vida de los árboles
El primer conjunto de poemas, titulado “Árboles”, posee características propias, pues opera en torno a una imagen nuclear que es el bosque, constituido por árboles y una gran variedad de seres que forman parte de su hábitat. El abedul es un símbolo que compone íntima pareja con el hombre joven y el abuelo, el hombre viejo. El árbol es una forma de existencia en el mundo: es una ontología distinta en el tiempo (el tiempo de los árboles es distinto al nuestro, al humano, por cierto, mucho más lento, exento de celeridades), pero también respecto de la correlación con los otros seres, los similares y los disímiles en cuanto a cuerpo.

La relación de este par abedul/abuelo-joven es ontológica: tal es el núcleo desde donde nos narra su experiencia el hablante poético. Es una singular visión cosmológica, existencial. Abedul sugiere a Abuelo que su casa es el bosque. Las raíces son el origen. La vejez no equivale a deterioro, sino que implica hundirse más en la tierra, siempre benéfica. La raíz es el camino a la luz; la insinuada muerte del anciano no será pérdida, sino germinación. Parte de un ciclo infinito de vida, nacimiento, fallecimiento, resurrección.

En el bosque impera un tiempo orgánico, no lineal, como el humano. Los tiempos están dados por ciclos: lluvia, brotes, primavera, sequedad, invierno, frío… Siempre se está en tránsito, nunca en término; nada se acaba en definitiva. Este es el sentido mayor del poemario.

El lenguaje se acerca al bosque, se ramifica, se enraíza, construye un ecosistema. Los sustantivos se apilan como hojas. Los diversos seres del sotobosque conviven sin jerarquías de dominación (lombrices, babosas, caracoles, hormigas); el bosque es lo que importa, por sobre las existencias singulares. Expresa el Abedul, que toma a veces el rol de hablante lírico,: «no hay viejos, solo abedules / no rama ramas no hoja hojas»; es decir, todo es plural, todo es bosque, nada existe en singular.

Hacia el final del poemario hallamos un giro: «el fuego aunque nos mate nos vive / la lluvia aunque nos apaga nos enciende», cifrando el amor humano con ese mismo ritmo. El desamor no destruye: abre túneles, como hace la lombriz. El dolor asume idéntica estructura que el crecimiento vegetal.

Este conjunto de poemas, a mi entender, aborda cómo morir bien, crecer bien, amar bien, un saber aprendido desde los árboles. La infancia (niño abedul), la vejez (abuelo abedul) y el mundo más allá de lo humano (bosque, insectos, lluvia, hojas) se funden en una sola existencia integrada. La escritura y el bosque se identifican en una misma entidad: intrincada, viva, plena de pequeñas criaturas que poseen corazón.

La punzada de rescate
En esta segunda parte del libro se advierte una coherencia profunda que actúa en diversos niveles. Un eje central está constituido por la tensión entre pérdida y permanencia. Pérdida traducida en personas, amores y cuerpos que van quedando atrás, igual que países. Experiencias que, sin embargo, dejan huellas profundas, semillas, pisadas, palabras. La punzada es un dolor súbito que emerge de la memoria y rescata lo pasado, sea acto de amor o acto político.

El amor se captura y retrata al poner atención en el inventario del cuerpo del otro: sus huesos, sus lunares, las uñas, los dedos, el vello que surge de la piel. De aquel examen detallado y microscópico, táctil, anatómico depende la preservación de la memoria del amor antes de que se produzca la pérdida.

Por debajo del amor individual escurre un río de horror colectivo, que hace referencias a terribles masacres , desapariciones y crímenes sin nombre, que se advierten en las reseñas a “corvos”, “púas de alambre”, cuerpos arrojados al mar o enterrados de forma subrepticia. De alguna manera la herida colectiva y dolor personal se vertebran en una misma llaga.

En esta segunda parte hay una coincidencia con la primera, “Árboles”, dado que se asume la unidad de un mundo integrado -no-individual- donde diversos seres conforman un sistema de valores: semillas, insectos, arrozal, bambú. Este colectivo (que crece lento y de manera conectada) se opone a las expresiones individuales agresivas: bombas, misiles, tóxicos. Para avanzar de verdad hay que hacerlo a paso de hormiga, con paciencia subterránea y precisión superior.

Una de las series que conforma esta segunda parte, es la titulada Caballos. Aquí el caballo es considerado animal de duelo, cruzando la guerra contemporánea, el exterminio y el crimen político, la compasión por los sufrientes cuyo cuerpo ha sido vulnerado con la violencia.

El tratamiento del lenguaje en ciertos momentos de esta sección genera rupturas de la sintaxis que reflejan vivencias emocionales intensas; así las frases quedan incompletas. Hay algo que no puede o no alcanza a decirse, cuando la pérdida es excesiva.

“Punzada de rescate” propone, de alguna manera, que el amor personal y la memoria política forman parte de un mismo acto de resistencia: inventariar con precisión un cuerpo amado equivale a negarse a olvidar a los desaparecidos. La «punzada» es el libro entero: duele y en ese dolor reside el rescate. Ante la violencia, la pérdida y el olvido, sobreviene el gesto poético: la punzada aguda, dolorosa, necesaria; no grandilocuente, sino que mínima, a escala de las hormigas que “no pierden nunca el rumbo”.

El poemario completo, en sus dos partes, requiere una lectura paciente, lenta, que no pretende proveer explicaciones ni ofrecer consuelo. Solo entrega testimonio desde una voz que integra todo: huella, raíz, ramas, hojas, dolor, vida, muerte. Una experiencia de lectura que me hace comprender las profundas razones que fundamentan mi indisoluble amistad con el autor: experiencias compartidas de vida y lectura, diversas y equivalentes, irreductibles y exactas.

Diego Muñoz Valenzuela

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Al leer el libro El rojo caballo de la juventud del poeta y periodista, Rodolfo de los Reyes Recabarren, me he encontrado con diversas voces en un mismo autor, lo que nos da cuenta que estamos en presencia de un poeta que lleva años descifrando en su interior para encontrar su poética, la que es diversa y múltiple en todas sus formas. Más que un nuevo poemario, el libro puede leerse como una suerte de antología personal, donde el autor reúne poemas escritos en distintos momentos de su trayectoria literaria, configurando una autobiografía poética en la que convergen la memoria, la ciudad, el patrimonio inmaterial histórico, la bohemia, el amor, la espiritualidad y el desarraigo.

Con prólogo del poeta Bernardo González Koppman y epílogo de la poeta Alejandra Moya Díaz, la obra despliega un amplio universo donde el Curicó de su juventud y adolescencia se convierte en el gran eje articulador. Es el Curicó de los bares antiguos, el cerro Condell, la Alameda, de comerciantes, mendigos, artistas y personajes anónimos que conforman el verdadero patrimonio inmaterial de la ciudad. Hay un rescate de aquello que el tiempo y la modernidad han ido relegando al olvido, pero que en sus versos se retoma con fuerza, estando más vigente que nunca.

Desde esa evocación del territorio, el poeta construye una ruta que recorre Curicó, Santiago y localidades del Maule como Licantén que están en la ruta de los poetas del Mataquito.

Uno de los mayores aciertos del libro es la amplitud de sus registros. Conviven con naturalidad la evocación histórica, la reflexión política, el erotismo, la espiritualidad y la contemplación existencial. El mismo poeta que invoca a Dios dialoga con las cantineras y los parroquianos. Recordando la represión de los años de dictadura, también celebra el deseo, el vino y la noche. Lejos de constituir una contradicción, esa convivencia entre lo sagrado y lo profano revela una concepción profundamente humana del poeta que ciertamente nos cautiva en sus letras y que, como la buena poesía, debe llamar al entusiasmo.

La bohemia ocupa un lugar central en esta obra, bares, cantinas, músicos, pintores, prostitutas, travestis y viejos parroquianos forman parte de una humanidad que el poeta rescata con afecto y dignidad. Son personajes que aquí adquieren una dimensión simbólica, convirtiéndose en custodios de una memoria colectiva.

La ciudad aparece como un espacio habido y recordado, pero también como una metáfora de la identidad. Pasajes de imágenes en Santiago durante los años de dictadura y posteriores años de universidad, encuentran su contrapunto en el regreso constante al Curicó de los años noventa. Allí se atraviesa con la bohemia provinciana no como protagonista, sino como observador de una constante fantasía, propia de una personalidad ingenua que se resiste a quedar inmóvil de lo que le impresiona y da curiosidad.

Todo aquello, permanece intacto y es sacudido por la historia en un espacio que hoy se comparte en la memoria colectiva.

El libro también incorpora hitos generacionales que marcaron a quienes crecimos en los años ochenta. El paso del cometa Halley, la música de Virus, las caminatas nocturnas, las referencias al pintor Mario González Sepúlveda y a otros creadores del Maule transforman la experiencia personal en un relato compartido por toda una generación. Del mismo modo, el homenaje al músico Edgardo Tapia y el diálogo final con Pablo de Rokha revelan la voluntad de inscribir esta obra dentro de una tradición cultural y poética que trasciende la experiencia individual.

En varios momentos, la escritura de Rodolfo de los Reyes Recabarren, se entrega a la poesía lárica chilena, sin embargo, su regreso al lugar de origen no responde únicamente a la nostalgia. Curicó es, sobre todo, un espacio desde o el cual el poeta intenta comprender el tiempo, la pérdida y la permanencia y la memoria no inmoviliza; por el contrario, permite reconstruir identidad.

El poema final, dedicado a Pablo de Rokha, ofrece una síntesis del espíritu que, en el fondo, es lo que atraviesa toda la obra. La desaparición del ramal ferroviario del Mataquito, la aldea que persiste únicamente en el recuerdo y la evocación del mundo campesino constituyen una elegía por un país que cambia sin detenerse a mirar aquello que deja atrás. En ese gesto, el libro alcanza una dimensión universal: la memoria de un territorio termina convirtiéndose en la memoria de todos.

El rojo caballo de la juventud confirma a Rodolfo de los Reyes Recabarren como un poeta en el que su escritura transforma la experiencia personal en patrimonio cultural, demostrando que la poesía puede preservar aquello que el tiempo insiste en borrar. Esta obra es un acto de resistencia afectiva al patrimonio del Maule y una celebración de esas vidas, lugares y voces que siguen habitando en quienes somos parte de ese paisaje que viene desde los álgidos y lúgubres años 80 hasta el silencio de estos días en que los ríos, los cerros y la agricultura que persiste en los márgenes de Curicó, aún dan vida.

Rodolfo de los Reyes Recabarren: El rojo caballo de la juventud
Ed. La victoria de las letras, 2026, 74 pp., Curicó, Chile

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Han pasado trece años desde que se publicó este libro de Juan Enrique Piedrabuena (Santiago, 1951). Nunca supe de su existencia hasta que llegó a mí hace algunos días. He buscado googleando referencias sobre este texto, y sólo me he encontrado con un comentario crítico del poeta Rodrigo Verdugo, quien finaliza diciendo que ojalá el poemario de Piedrabuena tenga una buena acogida en el tiempo de su lectura.

Pues bien, lo he recibido en 2026 y su lectura ha sido sumamente gratificante para quienes leemos poesía lírica. No todos los receptores asumen este tipo de poiesis. La poesía lírica es una forma de conexión especial entre el creador y quien lee. El texto poético adquiere unas resonancias especiales en su constitución lingüística, ya que no debemos olvidar que la poesía lírica es una forma peculiar del uso del sistema, norma y habla de la lengua. En este sentido, como lectores debemos dejarnos llevar por la retórica que el sujeto hablante nos propone. Cuando identificamos al enunciante sabemos que es la proposición lingüística de quien se revela a través de las palabras. Piedrabuena es el poeta lírico traspuesto en la enunciación, es decir, en los poemas que se leen como Poemas del desarraigo.

El título del poemario es de una simplicidad evidente, pero que tiene una connotación manifiesta de orden estético. El poeta Piedrabuena nos dice que son poemas, y agrega un complemento del nombre del desarraigo. La clave –clavis, llave- para entrar en la discursividad precisamente es el vocablo desarraigo. La portada de este libro, por otra parte, es significativa como paratexto, pues nos muestra una figura humana -un hombre- que va en actitud de caminante, mientras esta imagen está franqueada por dos sentencias. Una dice, Soplan vientos en Barcelona; la otra, Cómo no haber aprendido la cueca, ahora lo lamento. Las dos oraciones -versos- indican al receptor instancias existenciales o vivenciales que tienen que ver con la experiencia vital del hablante lírico que se revelará en la textualidad. Este sujeto escriturario es un desarraigado.

La palabra desarraigo tienen resonancias que poseen una significación ominosa. Cuando leo este concepto, me acuerdo de El Cid echado de tierra -un ensayo entrañable de Joaquín Casalduero referido al Campeador en el famoso poema épico. Etimológicamente, desarraigo alude a sacar de raíz, en consecuencia, como actitud no sólo es dejar la tierra geográfica, sino una pérdida existencial. El desarraigo se conecta con el exilio, con la pérdida de lo más caro para quien sufre este extrañamiento, otra palabra que tiene una potencialidad evidente: perder lo esencial de la existencia como sujeto histórico. La pregunta es cuál es el desarraigo del hablante lírico de este texto que pone como núcleo tal vocablo. En la portada están dos palabras que se relacionan; una ciudad, Barcelona; otra, una que hace referencia al denominado baile nacional, la cueca. El receptor, por tanto, puede concluir que el sujeto hablante está exiliado en una ciudad europea y que, además, añora no haber sabido bailar la cueca. Efectivamente, ambas situaciones están en el interior del texto poético de Piedrabuena. Hay un desarraigo histórico del creador y, en consecuencia, evoca en el sustantivo cueca la pérdida de algo esencial referido a la identidad. Como lector, no sé cuándo emergieron a la superficie los poemas que componen en texto. El poeta Rodrigo Verdugo en el único comentario crítico que hallé, manifiesta que los escritos de la primera sección pudieron ser elaborados en una etapa temprana del autor.

El libro del poeta Piedrabuena –Petrus bonus– está articulado, programado, estructurado sobre la base de dos pivotes. Son dos columnas vertebrales que sostienen y están entramados lingüísticamente en torno al motivo del desarraigo que tiene como componentes el tema del amor y el desamparo vivencial. En otras palabras, el desarraigo no sólo es espacio temporal, sino que se entronca con situaciones existenciales. En realidad, toda poesía lírica lo es. La poesía de Piedrabuena es existencialista con toques en la segunda sección, principalmente, donde el hablante adopta la perspectiva estética del sarcasmo y la ironía, como un poeta de la Baja Edad Media francesa, Francois Villon, o el poeta medieval hispánico Joan Ruiz, o incluso con una retórica quevediana. La primera parte se denomina Poemas del hombre que camina -y allí está la respuesta del paratexto-, mientras que la segunda lleva por título Poemas del hombre sentado.

Es en la segunda parte donde la retórica del hablante lírico nos lleva a una discursividad casi rabelesiana -Francois Rabelais- especialmente en el uso de una retórica de la oralidad que nos lleva a la cultura popular con elementos de sátira, humor, sarcasmo y comicidad para conectarnos con el desarraigo más allá de lo que la palabra nos pueda significar o connotar. Como escribió el poeta Rodrigo Verdugo, no copio poemas a modo de ejemplo porque no se puede captar la esencia de la poeticidad de Juan Enrique Piedrabuena, sino a través de la lectura íntegra de sus textos.

En definitiva, la experiencia lectora de Poemas del desarraigo ha sido un descubrimiento estético. Trece años después de su emergencia sigue manteniendo su lozanía escrituraria que invita a su lectura. Googleando encuentro que hay una segunda edición de 2024.

Juan Enrique Piedrabuena: Poemas del desarraigo
Chile. Libros del Amanecer. 2013. 91 pág.

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¿A qué clase de balance puede referirse esta Rendición de cuentas, del poeta Galvarino Santibáñez (Mejillones,1959), radicado en Suecia desde hace más de cuatro décadas? Estamos ante un libro de poemas –cuidadosamente editado en la Colección Pleamar de Pampa Negra Ediciones, que además cuenta con un prólogo de Patricia Bennett Ramírez y un epílogo de Daniel Rojas Pachas– dividido en tres partes: “Hoja debida”, “Otredades” y “Plan de fuga”. Conviene advertir que no es fácil dilucidar si estas no son más que las secciones de un poemario o constituyen una trilogía publicada en un solo volumen, y que este pequeño enigma bien puede ser parte de la juguetona ambigüedad con la que, junto a otros recursos, este poeta exige magistralmente que su lector se mantenga atento y participante. En cualquier caso, a juzgar por las fechas de algunos textos, se trata de una obra de largo aliento.

Veamos “Hoja debida”, donde debida puede leerse tanto refiriéndose a una deuda (de la que se da constancia agradecidamente) como a un deber (el escriturario, por supuesto). Y como si esto no fuese suficiente, al ser la poesía algo que se escucha, esta Hoja debida se transforma en Hoja de vida (hablo de lo que estoy viviendo). Lo normal sería esperar que el contexto inmediato –el que se infiere de las combinatorias en el texto– fuera el camino para desambiguar estas posibilidades, pero el poeta Santibáñez es lúdico por naturaleza y su lector ha de estar atento a los juegos de palabras, asociaciones libres, alusiones, ironías y hasta parodias que le saldrán al paso en esta parte y a lo largo de todo el libro.

En relación con “debida” veremos que las tres posibilidades se mantienen. Como deuda, al leer advertiremos que en la mayoría de los poemas hay referencias a la poesía de habla castellana, desde las jarchas a los poetas contemporáneos, podemos leer: “Tú escribes un poema, también yo. Es el mismo poema, el mismo texto:/ tú borras un verso a un millón de años de distancia del mío/ y ese versículo aparece como una serpiente en mi poema” (19). Galvarino Santibáñez vive en Suecia y necesita conservar su lengua materna. La citas y alusiones a la obra de estos poetas le son necesarias para reafirmar una raíz que le es fundamental y que lo habita y lo lleva a manifestar su deuda con ese mundo. Como buen poeta de la diáspora no olvida su origen. Siente el deber de saldar esa deuda mediante su propia escritura poética y la acción de esto y su resultado también constituyen su “Hoja de vida”.

“Otredades” está llena de alusiones al lugar donde el poeta reside y escribe sus versos pero también a su país natal, mirado ahora desde la lejanía y el recuerdo. La ironía tan peculiar en este poeta no deja cabida a ninguna clase de sentimentalismo. Hay, eso sí, una mirada crítica, como si siempre se estuviera subrayando una cierta inconformidad tanto con respecto al país de origen como el de acogida, de modo que esta circunstancia siempre queda al desnudo. No en vano “Otredades” comienza con un largo poema titulado “Cartas en el asunto” y en él puede leerse en su sección XI: “De qué transformación/ social o personal me habla usted. //Usted se deshilacha. / Usted se pudre. //Viviendo a los cuarenta/ una vejez por adelantado/ en una casa de reposo/ donde infancia, juventud y ancianidad/ se trenzan y confunden/ en el Abrazo Apocalíptico del Bienestar” (73). En este “Usted”, al que la voz se dirige y que, sin lugar a duda, es un testaferro de un “Yo”, se aprecia una falta total de amargura o resentimiento que quizá serían comprensibles debido al tema (el exilio por convención es doloroso y no está exento de rencores). Lo plañidero no tiene cabida porque estamos ante un poeta cuya actitud crítica y notablemente lúdica lo lleva por otros caminos, donde el distanciamiento garantiza nuevas y necesarias significaciones, en las que no faltan unas buenas dosis de autoironía. Así, en el poema “La pantalla es una herida”, leemos: “Soy un feto/ Saco la cabeza del televisor uterino/ Éxito:/ Me reencarno en un telespectador nórdico” (120). Y en la página siguiente: “Yo fui fusilado/ contra una pantalla. /Me tocó el paredón/ de la Carta de Ajuste” (121).

También hace parte de “Otredades” el acercamiento a un buen número de poetas y escritores contemporáneos con los que dialoga. Entre otros, Enrique Lihn, Gonzalo Rojas, Nicanor Parra, César Vallejo, Borges, Pessoa, Celan. Esta parte obedece al título “Actos de presencia” y tiene un epígrafe muy sintomático: “Si estás en la Palabra, tienes Patria” Estos diálogos, plasmados en la lectura y en la propia escritura, son para el ánimo del poeta Santibáñez como una isla en medio de un mar de desarraigo.

La tercera parte, “Plan de fuga”, donde aparecen unas cuantas páginas en prosa, marca una acentuación de la disconformidad, manifiesta ya en el epígrafe de Paul Celan que la precede: “Negro se abre el portón, yo canto:/ ¿Cómo pudimos vivir aquí?”. Los primeros poemas se titulan “Baladas”, en ellos la presencia de la autoironía es notable: “El espejo de la casa/tiene una raya/en el centro/La partidura del dueño/va por dentro” (131) que recuerdan un dolor semejante al que se expresa en la conocida frase “La procesión va por dentro”; es decir, hay una gran pena que no se exterioriza. Sintomática es la última estrofa de estas baladas: “Te ves más viejo que nunca/ en este espejo recién comprado” (133).

El tema de la muerte no es ajeno a este “Plan de fuga”, sobre todo en los poemas de “Rondó”, que comienza con un sintomático “[recado a Francisco de Quevedo] “A los cuarenta/ la muerte nos sorprende con el primer agarrón// A los cuarenta y siete/ nos empieza a correr mano (aunque no delante de todos)” (149). En “Plan de fuga” también se intercala la prosa. Así, en “Pasacalles” encontraremos una suerte de poética que subraya una búsqueda no exenta de humor:

La literatura bien puede llegar a ser una venganza. La literatura bien puede ser la intérprete de la locura; la literatura bien puede ser todo un malestar orgánico organizado en signos afásicos, en dislalia compulsiva; puede ser las últimas llamas de un fuego sofocado por la sociedad establecida, en donde huele siempre a quemado, aunque no sea bueno preguntar de dónde provienen esas cortinas de humo (138-139).

La visión poética tan propia de Galvarino cerrará el libro con otro texto en prosa: “José Donoso traductor” (189-198), donde bajo el disfraz de una larga nota literaria, se produce una doble parodia: por un lado, se tocan los gustos estéticos y la obra del gran escritor chileno; por otro, al género y a la voz que se emplean al hacer este comentario. En este último aspecto, se puede concluir que Galvarino Santibáñez, una vez más en este libro, ha asumido, desde una risueña y sabia claridad, que el lenguaje es la casa del ser (Heidegger).

Y deja ante nosotros, sus lectores, una obra que nos mantiene despiertos y pensantes con su placentera y aguda singularidad.

Galvarino Santibáñez: Rendición de cuentas
Pampa Negra Ediciones, Antofagasta, 2026

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La lectura de este poemario de Virginia Ramos Poseck (Traiguén, Región de La Araucanía, 1949) de no más de cincuenta páginas, realmente es un acierto escriturario poético-lírico, por cuanto en el texto confluyen diversas constelaciones que le dan la urdimbre a lo tematizado. En otras palabras, quiero decir que el sujeto hablante -que en este caso es la trasmutación lingüística de Virginia- se desplaza a través de distintas motivaciones que dan curso a la escritura, a la poiesis, a la creación. En este sentido, el lector/a podrá descubrir una voz prístina y cadenciosa que con una retórica donde las imágenes poéticas resultan ser el trasunto de una sensibilidad estética frente al mundo que no dejan de sorprender al lector y entrar en sintonía con esta palabra o verbo poético. Como bien es sabido, la lírica es una forma particular de aprehender el mundo. El lenguaje -la materia prima de la poiesis- toma ribetes que escapan a la norma habitual. El lector/a que ingresa al poemario debe dejarse capturar por esta voz que se expresa y captar la sonoridad y la expresión retórica con que se muestra en el despliegue de la discursividad. En esto consiste leer poesía lírica.

El poemario de Virginia Ramos Poseck tiene un título bien singular. La misma portada simbólicamente nos muestra la imagen del copihue. La flor nacional, como se dice. Una hermosa creación de la naturaleza que como una enredadera se muestra en los bosques, principalmente sureños. El color rojo del copihue tiene connotaciones que lo conectan con la sangre, la sangre de Arauco. Virginia enmarca el poemario como un brote de copihue. De esta manera, el poemario es un surgir a partir de una semilla que, en este caso, es la palabra, el verbo. La palabra es la expresión creadora como el Verbo del Génesis: fiat lux, y la luz se hizo. Virginia mediante su creación poética va dando vida a una semilla que se encauza a través del lenguaje y como el copihue que emerge y se entrelaza, así también ocurre con su verbo poético: un entrelazamiento, una urdimbre textual en los poemas que componen la experiencia discursiva que adquiere el color del copihue.

Brote de copihue está configurado como textualidad por una variedad de poemas de distintas formas versales. Algunos son como aquellos poemas mínimos japoneses que se denominan haiku o también haikú, y cuya consistencia retórica está concentrada en la contemplación de la naturaleza o en el capturar un instante significativo de lo cotidiano: “El gato de mi casa tiembla/ cuando ve a un gorrión/ o un ruiseñor/ No puede volar/ desafina la escala del sol/ Quiere comer alas/ y allí se queda/ pegado al suelo/ y mira/ y se agazapa/ y tiembla”. Efectivamente, el texto de la poeta Virginia Ramos Poseck entra en una actitud dialogante con el espacio natural en varias ocasiones y con la expresión lingüística de las cosas simples de la vida. Estamos frente a una actitud ecopoética. El mismo título del poemario indica al lector esta senda donde el medio natural parece ser el constructo sobre la base donde se edifica la poiesis: “Lago Tepuhueico/ en sus aguas inmóviles/ amanecen las nubes. / Una piedra se hunde/ en el cristal. / Sus ondas cuánticas/ se expanden al universo. / Lago/ espejo del tiempo”. Sintomáticamente, el poemario se abre con un poema que lleva por título Desierto de Atacama que está en las antípodas del espacio del copihue: “Busco nombres/ en el llano del tiempo/ donde la ventisca/ es la voz/ en los tallos de cobre/ de las flores/ colgadas en las cruces / del desierto/ susurro de cristales/ en las tumbas/ olvidadas/ en el zumbido/ de la tierra/ en el filo de su órbita/ por la galaxia/ bóveda de estrellas/ vagan chocan con los trumaos/ las cenizas de almas desoladas”.

Al menos en este poema hay dos claves de lectura para lo que vendrá en la textualidad: las flores de los cementerios del Norte Grande son de papel y cuelgan de las tumbas, mientras el viento las hace mecer o vibrar. El hablante lírico busca nombres, es decir, aquellas almas desoladas como lo indica el último verso. De manera paradojal quien trae a aquellas es el trumao, un viento propio del Sur. De este modo, en este entrecruzamiento de espacios disímiles brotan las semillas en la creación poética donde la memoria y la evocación de tiempos pasados vuelven al presente. No sé por qué, pero este poema tiene una resonancia de Pedro Páramo o de La Amortajada. El último poema, por el contrario, tiene otro matiz o atmósfera poética donde el vitalismo es el núcleo central; aunque el título parece ser antónimo, es todo lo contrario, es la vida encarnada en una abeja:
“Una abeja moría/ sobre la flor bordada/ en mi almohada// La di una gota/ de agua y otra de miel/ bebió en calma// Comía la miel/ la dejé en una hoja/ abrió sus alas// El viento desde la cordillera/ movió las cortinas/ el sol llegó a mi cama/ abracé el calor de la mañana/ La miel de los hijos de la abeja resucitada/ alimentará a los nietos de mis nietos/ y habrá un panal en su casa sobre trigales/ dentro de los bosques y ríos/ de la tierra”. El poema en su calidad expresiva es muy significativo para comprender el ejercicio poético de Virginia. Los tres primeros versos son perfectos en cuanto imagen poética. La abeja como un insecto casi extinto, se transforma en un verdadero elixir de vida -y lo es por la miel- y de este modo se convierte en una metáfora -verdadera- de la poesía de la autora, alimento de los nietos de sus nietos. El poemario -conjunto de poemas líricos- de Virginia Ramos Poseck, en consecuencia, al interior de las dos creaciones que abren y cierran la textualidad, son “una lucha persistente contra el olvido y un rescate que se traduce en imágenes conmovedoras que revelan, entre otros aspectos, su propia niñez, sus lecturas, sus ancestros europeos, ya recordados desde una cultura mestiza que llama a los macizos andinos Ñuque Mahuida”, como anota el escritor Sergio Infante Reñasco en el prólogo, además de la tematización de los tiempos pandémicos.

En síntesis, Brote de copihue de Virginia Ramos Poseck es un texto que nos revela a una poeta de una sensibilidad notable para expresar aquello que brota como una semilla en su interioridad y que se muestra mediante una discursividad de alto vuelo poético.

Virginia Ramos Poseck: Brote de copihue.
Santiago. Autoedición. Colección de Poesía Luchito Ocelote. 2025. 49 pág.

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La lectura de este libro del poeta Rodrigo Verdugo (Santiago, 1977) ha sido una verdadera sorpresa no sólo por su notable discursividad lírica, sino también por el despliegue de una forma de tematizar que deja al lector/a sumamente inmerso en las palabras que conforman el universo poético. No siempre es fácil descubrir lo que está detrás del lenguaje poético. La retórica de este prototipo escriturario significa dejarse llevar por el entramado lingüístico. La poesía lírica es una especial forma con que el sistema, norma y habla de una determinada lengua son puestos en una nueva manera de expresión lingüística. La poesía lírica -y uso a propósito la frase- es una creación peculiar de un sujeto hablante que es la trasmutación de la voz autorial, en este caso, el poeta Rodrigo Verdugo. El concepto poesía en su más prístino étimo proviene del vocablo poiesis -de la antigüedad griega- y en su significación originaria significa creación. Toda la literatura, en consecuencia, es poesía, solo que se modula de diversas maneras. La poiesis lírica en todo caso es donde el verbo, la palabra, alcanza resonancias especiales dado que implica poner el lenguaje de una forma diferente -incluso en la denominada antipoesía.

La poética de Rodrigo Verdugo mediante una discursividad casi coloquial nos sumerge en un mundo donde afloran diversos modus vivendi. En cierto modo, la poesía lírica de este poeta es existencialista -aunque toda poesía lírica lo es-, pero estamos pensando en una aprehensión de la realidad humana en los márgenes del existencialismo como actitud filosófica. En la contraportada de esta obra se nos indica que es el “último surrealista chileno”. Interesante esta denominación, por cuanto el surrealismo histórico dentro de las diversas vanguardias nos llevó a una percepción de la realidad y del propio ser que se alejaba de lo inmediato donde el sueño y la ensoñación pasaban a formar parte de la otra realidad.

Herencia del insomne está conformada por cuatro instancias que tienen que ver con el sustantivo que da inicio al título y que lleva el complemento del nombre del insomne. En otras palabras, el sujeto hablante o el hablante lírico está caracterizado como una voz que se desplaza a través de la textualidad como quien padece de un trastorno del sueño. El sujeto textual se autocalifica como aquel que no duerme ni puede conciliar el sueño. De tal manera que lo que leemos es de cierta forma lo producido en el tiempo del insomnio. Las imágenes de la vigilia donde se van plasmando las formas del ser y de la existencia. Todo esto, sin duda, dentro del juego poético lírico que nos propone el creador poético Rodrigo Verdugo. Entramos entonces como receptores de la discursividad en una poética surrealista que aquel nos ofrece como herencia. La palabra denota al sujeto que deja a sus herederos un conjunto de bienes.

La herencia del poeta Verdugo es la transmisión de un bien intangible; la voz poética traducida o puesta en acto en el mester poético es la herencia del insomne. La portada de la obra como paratexto de alguna manera posee un carácter significativo, ya que esa especie de castillo o fortaleza derruido pareciera indicarnos que el insomne está tras las murallas en medio de los roqueríos. El color gris de la imagen nos lleva a la textualidad interior, a los poemas, que son el trasunto de un sujeto hablante que va plasmando distintas instancias de la existencia. Sin embargo, sobre ese castillo de la portada recae otro color. Como la luz del sol que viene a iluminar al insomne. La dicotomía luz y sombra -el claroscuro del Barroco- nos lleva como lectores en un ejercicio hermenéutico de que este hablante que está detrás de los versos se debate en el ser o no ser hamletiano. Por otra parte, en esta interpretación exegética y asociándola con el castillo, los cuatro segmentos de quien hereda resultan ser los espacios o las moradas del castillo interior a que aludía Santa Teresa de Avila, sólo que aquí estamos en presencia de un transitar posmoderno de la existencia hacia la búsqueda de una verdad o las verdades de la intrahistoria del sujeto que se revela en la textualidad.

Como hemos afirmado, la obra entrega a través de 209 poemas la herencia del insomne. Lo ponemos en minúsculas, pues nos referimos al sujeto de la enunciación -cómo se dice o expresa el locutor- que es, a su vez, el sujeto del enunciado -lo que se cuenta-. La herencia primera es la más extensa. El lector se enfrenta a una suerte de historial de un enunciante vulnerable que va repasando vivencias donde la humanidad se muestra en un abanico con diversas modulaciones expresivas. En este sentido, los poemas líricos -algunos breves, como aikus : “El árbol/ camina // sobre tus lágrimas”– van plasmando la imagen de un sujeto desolado que busca una forma de redención: “Mezclo/ vino con té/ y hablo latín/ entre lobos marinos. // Mi futuro/ rebota/ en cada/ hoja y ola”. El hablante lírico va adoptando diversas voces, pero es el mismo sujeto que se revela muchas veces en la indefensión o viviendo a la deriva donde afloran los pensamientos del insomne.

En síntesis, este libro de Rodrigo Verdugo lo posiciona como uno de los imprescindibles poetas de las últimas generaciones de la lírica chilena contemporánea. Un texto sobresaliente y absolutamente recomendable.

Rodrigo Verdugo: Herencia del insomne.
Santiago: Editorial Perras Palabras. 2025. 163 pág.

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