¡Romeo y Julieta han aparecido vivos y enamorados en la Población de Verona, al sur de todas las historias contadas!

Sí, ahora. Se han besado en la misma esquina del Teatro Nacional Chileno, en la Sala Antonio Varas, Morandé 25, sesenta y uno años después. Lo hicieron otra vez, dando vida y muerte al amor encontrado.

Los jóvenes, venidos del fuego, han cruzado sus miradas para inaugurar la historia de amor más reconocida por la humanidad.

Nos han comprometido a jurar por la valía de la pasión y la ternura. Por todos los amores no correspondidos; por aquellos que se quedaron a medio camino; por la ilusión apagada y por la creencia de que siempre existe la maravilla del día siguiente.

En voz de Neruda, -su dilecto traductor al castellano- maravillado, señala que Romeo y Julieta “no es solo la historia de un amor absoluto sino una cantata contra el odio y la guerra, un doloroso y elevado mensaje por la paz entre los hombres… es el fuego transparente que arde en ellos sin consumirse, desde hace siglos”.

Entonces, en la última escena, sus almas enamoradas, sin vida, tendidas sobre el escenario del Teatro de la Universidad de Chile, inician su viaje a los lugares que no se conocen.

La luz se apaga en el escenario. El drama concluye. Todos sabíamos de antemano que los protagonistas estaban destinados a la muerte temprana…

Sin embargo, un grito de centenares de jóvenes irrumpe en el teatro. Despierta la vida. Una ovación ilumina, olvida el dolor visitado que cruza el último momento de la obra de Shakespeare. El teatro se viene abajo y se viene arriba. El aplauso de quince minutos es de cientos de jóvenes agolpados en las butacas. Aplauden de pie.

Es la mejor distinción para el Teatro Nacional Chileno, para su director, Cristian Keim y para su selecto elenco de teatristas.

¡Romeo y Julieta están vivos!

Shakespeare 2025

La puesta en escena de “Romeo y Julieta” en los días actuales, en el país de los celulares fulgurantes que distancian el abrazo por un emoticón; en el mismo país que apenas se lee y que se desnuda con un dos por ciento de comprensión lectora, hacer un Shakespeare, es un desafío no menor.

Y más aún, en una temporada “corta”, que tiene gusto a poco. Lo de hoy, solo se podrá ver hasta el 19 de julio en Santiago. Luego, harán una temporada más breve aun, en el sur, en Puerto Montt y Castro.

En esta oportunidad, el Teatro Nacional Chileno recibió el apoyo del Fondo de los Teatros Universitarios del MINCAP -que se aplaude- para que el ingenio hiciera lo suyo y le alcanzara en calidad a lo que la historia había presentado antes con el ITUCH, el Instituto de Teatro de la Universidad de Chile, cuando fue montada allá por los sesenta, a todo teatro.

(Un par de números en la odiosa comparación. Solo un dato. La presentación de “Romeo y Julieta”, en aquel entonces, en 1964, contó con 50 actores y actrices en el escenario. La actual, este 2025, solo con 10 actores y actrices. Y, por supuesto, también con alumnos de la Escuela de Teatro de la Universidad de Chile, en ambos casos).

Aplausos, aplausos

La versión actual ha sido recreada con audacia y gracia, proponiendo una puesta en escena llena de vida en los días actuales.

Y toda la aclamación pertenece al encantador principal: Cristian Keim, director y mago de la proeza de llevar adelante el Romeo y Julieta para las nuevas generaciones. De su valentía de revisitar la historia de Shakespeare y de Neruda con el rigor de la “poética” aristotélica.

Ni más, ni menos. De ponerle música rockera y de hacerlo en la calle de hoy. De saltarse los protocolos clásicos para la conquista de los jóvenes del país del siglo XXI. De no perder la voz original de los grandes y de volver a soñar con el Teatro Experimental de la Universidad de Chile, como lo que es hoy, el Teatro Nacional Chileno. Al igual que en 1964, sin transar con la calidad escénica y el talento sobre el escenario.

En esta oportunidad, la obra de la historia de los amantes de Verona cumplió con el principio teatral, la vara de la justicia artística, “de creer de lo que sucedía arriba de las tablas, era cierto”.

Romeo y Julieta se besaron de verdad y cada uno de los presentes volvieron a creer en el amor. Como así también en el dolor de sus muertes.

La respuesta la dio el público con pasión y alegría a la calidad interpretativa de excelencia. Ese es el dato duro del análisis de esta puesta en escena.

Las actuaciones del joven elenco encabezados por Kontanza Villalobos (Julieta) y Kai Berg (Romeo), revivieron a Marcelo Romo (el primer Romeo) y homenajearon a Diana Sanz (la primera Julieta), quien se encontraba en el estreno, como invitada de honor. Grandes teatristas de hoy y de siempre. El teatro chileno en un continuo virtuoso.

Aplauso por las interpretaciones.

Los Montescos y los Capuletos fueron actores y músicos en esta oportunidad. Cantaron y bailaron en la calle, como es hoy, desdoblándose en simpatía y contento escénicos con las actuaciones de Marco Rebolledo, Fernanda Pérez. Gabriel Muñoz, Gabriel Bastías, Vicente Soto y Alejandro Miranda.

Aplauso por las interpretaciones.

Especial reconocimiento a las actrices de trayectoria, invitadas. Grandes actrices, ambas.

Carmen Diza impuso su actuación por su talento ya reconocido. Y también a Jacqueline Boudon, que al igual que su padre, de la primera generación del Teatro Experimental, Jorge Boudon, (actuó en el “Romeo y Julieta” de 1964, en el rol de Pedro, el sirviente del ama de Julieta), tiene la gracia innata de la presencia en escena. Entra a escena y la gente se ríe. Jacqueline, en esta oportunidad, revivió el reconocimiento del talento heredado de la comedia.

Aplauso por las interpretaciones

(Un recodo personal y que me hizo sentido al ver la versión 2025).

En el verano de 1964, siendo un preadolescente, camino al sur, en el tren, Pedro Orthus, director y fundador del Experimental, me pidió que opinara del texto de la obra “Romeo y Julieta”, que se iba a estrenar ese año bajo la dirección de Eugenio Guzmán. Era el texto que había traducido Pablo Neruda. Él, como miembro del Consejo del Teatro del ITUCH, quería saber la opinión de un joven acerca de la obra.

Debo haberlo leído varias veces. Imaginado, otras tantas.

Me sentí, por cierto, un privilegiado. Cuando fui a ver la obra al teatro, en ese entonces, en 1964, aluciné como lo hice la semana pasada en el estreno de la nueva versión. Sentí que el Teatro Nacional Chileno seguía los pasos de los 84 años del Teatro Experimental.

Me emocioné, al igual cuando le devolví y comenté el texto a Pedro Orthus en la estación de Loncoche, donde me bajaba.

¡Romeo y Julieta están vivos!

La entrada ¡ROMEO Y JULIETA ESTÁN VIVOS! se publicó primero en Letras de Chile.

La primera función del Teatro Experimental fue el domingo
22 de junio de 1941. Esta fecha debiera ser conmemorada como el verdadero Día del Teatro Chileno.

“El teatro es uno de los más expresivos y útiles instrumentos para la edificación de un país, y el barómetro que marca su grandeza o su descenso. Un teatro sensible y bien orientado en todas sus ramas, desde la tragedia al vodevil, puede cambiar en pocos años la sensibilidad del pueblo; y un teatro destrozado, donde las pezuñas sustituyen a las alas, puede achabacanar y adormecer a una nación entera.”
Federico García Lorca.

Hay un nombre principal
que con su obra se amarra:
el de Pedro de la Barra
y Teatro Experimental.
No nombraré a nadie más,
pues ni justo ni oportuno
sería olvidar a alguno
de quienes dieron su empeño
por realizar este sueño,
el año cuarenta y uno.

Mes de junio, el veintidós,
se abría un nuevo escenario
cambiando el itinerario
para público y actor.
Desde entonces fue factor
de cultura y reflexión,
de lúcida entretención
y no chirigota vana
con que al público se engaña
desde que se alza el telón.

El teatro cambió ese día
la forma de ver y actuar:
el Teatro Experimental
dio la orden de partida.
Otros teatros seguirían
ese camino pionero,
que marcara el derrotero
a un teatro con contenido
que formó y que dio sentido
a nuestro país entero.

Tuvo claros objetivos,
todos ellos formadores:
hizo técnicos, actores
y dramaturgos activos;
un público selectivo,
repertorio universal.
Que pudiera el hombre actual
conocer aquí, en su casa,
lo que se hace y lo que pasa
en el ámbito teatral.
El teatro, señores míos,
es espejo de la vida;
la Comedia es alegría,
no estupidez sin sentido;
la Tragedia, el desafío
misterioso de lo oscuro.
¡Volvamos al teatro puro
de los dilemas humanos:
porque hoy está en vuestras manos
ser autores del futuro!

Lectura de foto:
«Las Preciosas Ridículas» de Molière.
De izq. a der.: Marés González, Jorge Lillo, Alfredo Mariño y Coca Melnick.
Fotografía de René Combeau. Colección personal de Jorge Lillo.

La entrada OCHENTA Y CUATRO AÑOS se publicó primero en Letras de Chile.

“Pido silencio / ahora me dejen tranquilo. /Ahora se acostumbren sin mí. / Yo voy a cerrar los ojos…”

El actor Mario Bustos irrumpió en el escenario del Teatro de Sidarte y junto al féretro del actor Mario Lorca, le habló de Mario a Mario. Con Neruda en el decir y su talento teatral hacían difícil saber quién era quien hablaba. Mario Lorca había recitado su Canto General en los 70 junto al grupo Aparcoa.

De Mario a Mario, continuaba.

He vivido tanto que un día / tendrán que olvidarme por fuerza, / borrándome de la pizarra:/ mi corazón fue interminable. / Pero porque pido silencio / no crean que voy a morirme: / me pasa todo lo contrario: / sucede que voy a vivirme.

Mario Bustos hablaba por todos, Neruda mediante. Tanto como el otro Mario, tantas veces Mario.

“Se trata de que tanto he vivido / que quiero vivir otro tanto. / Nunca me sentí tan sonoro, nunca he tenido tantos besos. / Déjenme solo con el día. / Pido permiso para nacer”.

Cuando se avecindaban la fiesta del Teatro Experimental en sus 83 años y el solsticio de invierno relegaba a la noche más oscura, Mario Lorca, el legendario actor de más de mil presentaciones, partía a actuar ahora su propia leyenda.

Lo precedía su vida donde fue testigo privilegiado de la iniciación del teatro universitario y precursor de los principios fundacionales de crear un ambiente teatral, una escuela, de protagonizar a los autores del mundo y de los nuevos valores propios.

Hijo directo de los viejos del Experimental, a quienes nunca abandonó creando la Corporación Teatral de Chile, Cortech, para difundir su obra histórica. Desde los primeros días del Experimental fue reclutado por el mítico Agustín Siré a unirse al sueño de cambiar el mundo. Siempre estuvo pregonando por un Teatro Nacional de Chile, desde la Universidad de Chile, donde fue parte importante de la planta original del Teatro Experimental, Ituch y Detuch. Nunca perdió la esperanza de que el TNCh volviera a tener un elenco estable, hiciera giras nacionales y mundiales, con un programa que alentara a la educación chilena con los dramaturgos nacionales y universales. Igual a lo que le tocó vivir.

Su primera aparición en los escenarios fue en 1950 en la obra de Enrique Bunster, “La isla de los bucaneros”, en un rol secundario de “colono”. Posteriormente, la historia lo recuerda como “Ortuño” en “Fuenteovejuna” (1952); un minero en “Chañarcillo” (1953) de Antonio Acevedo Hernández; de “capitán de navío” en “Noche de Reyes” de Shakespeare (1954); “el sobrino” de “Doña Rosita soltera”(1954) de Federico García Lorca, que lo asomaba como galán; para luego, ser “Sebastián” en Fuerte Bulnes” (1955); hasta su gran rol protagónico del “Ñico” en “La Viuda de Apablaza”, como lo registra la prensa de esos años. Y de ahí para adelante, todos los personajes, todos los imaginados.

Mario Lorca amaba a sus veteranos maestros y se lo hacía ver. Hasta sus últimos días, me recordaba un viaje al sur que había realizado con mi viejo padre, Edmundo, quien lo había sorprendido por su condición de histriónico bailarín en una perfomance de boogie-woogie. Siempre le reprochó por su elección por el magisterio, de profesor de Castellano.

Al “Ñico” se le escucha bien

Cuando tenía 5 años de edad, tuve la oportunidad de conocer a Mario Lorca en un ensayo de la obra “La viuda de Apablaza”, que dirigía Pedro de la Barra y donde todos eran “tíos”. En algún momento, el tío Pedro me dio la misión de “ayudarle”. Me pidió que me sentara en la última butaca para que le indicara -con la mano arriba- si se escuchaban bien las voces, incluidos los susurros… ¡en esa misma butaca de hoy, de hace 70 años!

Mario Lorca, el galán, el “Ñico”, ese día, hacía que la magia del teatro me invadiera para siempre. Su voz se proyectaba con el rigor y enseñanzas de la “Voz hablada” del maestro Rubén Sotoconil. Esa escuela de excelencia en la formación actoral que ha permanecido por años en la herencia del Teatro Experimental. Esa tarde me sentí el niño más privilegiado del mundo.

Nos dejaron las palabras

Entonces, Mario Bustos se levantó de una de las butacas del Teatro de Sidarte y volvió en voz alta a hablar de Mario a Mario, en pleno velorio. Nerudianamente, por supuesto, “Las palabras” de “Confieso que he vivido”.

“Todo lo que usted quiera, sí señor, pero son las palabras las que cantan, las que suben y bajan… Me prosterno ante ellas… Las amo, las adhiero, las persigo, las muerdo, las derrito… Amo tanto las palabras… Las inesperadas… Las que glotonamente se esperan, se escuchan, hasta que de pronto caen… Vocablos amados… Brillan como piedras de colores, saltan como platinados peces, son espuma, hilo, metal, rocío…”

Mario ponía en evidencia la voz de Mario. Todos nos sentíamos Mario. Su memoria privilegiada de retener cientos de textos en su corazón y talento. De alguna manera, Mario salió del féretro diciendo las palabras que tantas veces había declamado. De Mario a Mario.

“Tienen sombra, transparencia, peso, plumas, pelos, tienen de todo lo que se les fue agregando de tanto rodar por el río, de tanto transmigrar de patria, de tanto ser raíces… Son antiquísimas y recientísimas… Viven en el féretro escondido y en la flor apenas comenzada… Qué buen idioma el mío, qué buena lengua heredamos de los conquistadores torvos… Salimos perdiendo… Salimos ganando… Se llevaron el oro y nos dejaron el oro… Se lo llevaron todo y nos dejaron todo… Nos dejaron las palabras”.

Lo cierto, que Mario Lorca nunca se rindió a los oscuros días de la dictadura y de la desolación laboral. Hizo de su talento la voz de los poetas, desde los Neruda, Lorca y Mistral, verdaderas apologías, que llenó teatros, universidades, sindicatos y festivales de Violeta Parra. Recitó uno a uno a los poetas chilenos y del mundo, famosos y aprendices. Su voz engalanó la noche de los poetas con su hermano Humberto Duvauchelle, convirtiéndola en verdaderos amaneceres.

Las poetas y los poetas tuvieron casa en la voz de Lorca, enseñándonos que viven los Lorca y los Lorca para siempre. Decenas de poetas chilenos, muchos más, probablemente, bautizaron sus letras con el agua bendita de su voz, lanzaron sus libros al viento enamorado de los espectadores embelesados.

Los versos de los escritores tuvieron su propia sinfonía en la voz de Mario Lorca.

¿Quién más que Mario convirtió la bella metáfora en algo popular, cotidiano y telúrico?

Tuvo el reconocimiento de todos y es, tal vez, su Premio Nacional. De sus pares y del pueblo.

Como se estila en el olvido de país, el reconocimiento lo harán sus hermanos de oficio que cada día encontrarán la palabra perdida arriba de los escenarios. Así, nunca se olvidará y nunca morirá.

Un minuto de alegría

Cuando escribía la columna anterior en homenaje a Pedro de la Barra y el Teatro Experimental y me invadían los augurios de su mala salud, no pude evitar de pensar en su desenlace fatal, en la última escena de su vida.

Entonces, escribí: El país tiene, por estos días, la bandera de la cultura a media asta.

Hoy, escribo en su memoria, e intento recordar cada palabra en homenaje a esa condición virtuosa que tenía Mario Lorca, de aprender de corrido cientos de textos del gran teatro y de la poesía del mundo, los que parecían escritos para él.

Pido silencio por Mario Lorca y un minuto de bulla, de alegría, para que quede entre nosotros para siempre, contento.

(El público aplaudió de pie en la sala del mundo)

La entrada PIDO SILENCIO POR MARIO LORCA, UN MINUTO DE ALEGRÍA se publicó primero en Letras de Chile.

Hace 60 años atrás, el Instituto de Teatro de Universidad de Chile, ITUCH, estrenaba la obra de Edward Albee, “¿Quién le tiene miedo al lobo?”, dirigida por el talentoso Agustín Siré, quien además actuaba junto a María Cánepa, Sergio Aguirre y Silvia Santelices, que se turnaba con Ximena Gallardo.

Para ese entonces, iniciando mi adolescencia, esta obra y, en particular, las actuaciones me deslumbraron y se me quedaron grabadas a sangre y palabra en una epifanía de lo que era el buen decir y la verdadera estatura del teatro.

Asistir en el 2024 a la misma puesta en escena, seis décadas después, era un desafío a mi cultura de espectador privilegiado. Confieso que tenía miedo por los resultados. Me partía el alma que el Teatro Nacional de Chile, de la Universidad de Chile, (“Chileno”, como lo bautizó Pinochet) no diera el ancho al desafío de la historia y a la vigencia teatral en los días actuales.

¿Quién le teme a Daniel Alcaíno?

En el mes anterior, conversé con Daniel Alcaíno, protagonista de la puesta en escena, ahora con el nombre “¿Quién le teme a Virginia Woolf?, este 2024. Alcaíno tenía, nada menos, el rol que había interpretado Agustín Siré, el mismo que me había deslumbrado y enseñado a sentarme en la punta de la butaca del Antonio Varas (en ese entonces, la butaca tenía 20 años de uso y hoy, 70 años después, seguía siendo la misma vieja butaca, ahora con aspiración a ser una pieza de museo).

Confieso que temía que Daniel Alcaíno cargara la cruz del fantasma de Siré e intentara una imitación fallida de un histórico del teatro chileno.

Me reveló también su aprensión. Me relató que, en sus años en la Escuela de Teatro, había tenido un desafío parecido de hacer un rol en que había protagonizado Siré. Los profesores de la época le señalaron que la mejor nota que podía aspirar era solo a un “4”.

Sin embargo, el “George” de Daniel Alcaíno fue otro. Ahora, su nota fue la mejor.

La construcción de su personaje era distinto, propio y cercano. Arrastraba la impotencia de su vencimiento y se olvidaba en la bebida. Insatisfecho, se unía en el dolor de la pérdida. Un hombre que se vestía con la risa fácil, la seducción imperfecta y que no podía ocultar su alma rota, su derrota.

Tan lejos del personaje de Siré y tan cerca de la perfección de Alcaíno.

Gran actuación. Es de temer.

¿Quién le teme a Trinidad González?

Si hubiese que elegir a la mejor actuación femenina de este año, la candidata – ¡sin falta!- sería la de Trinidad González. Descollante. Brillante.

Todo el mundo se enamora de ella en la puesta en escena; se le odia y a la vez, se mata de la risa y luego… de pena. Descollante. Transita desde una sensualidad frustrada hasta una maternidad clandestina y fallida. Olvida todo en el alcohol, elige la coprolalia como propia y esconde la ternura en la sombra.

Hacer todo eso en una obra de teatro, es solo una tarea de grandes.

Se le cree todo. Incluso, en el estreno, cuando se rompió una copa de vermut en uno de los sitiales donde se desplazaba, ella caminó como parte de su vía crucis de mujer sin importar donde pisaba.

Premio nacional. Es de temer.

¿Quién le teme a Nicole Vial?

El desafío de construir un buen personaje secundario, creíble, es faena de pocos. Porque debe transitar de la sombra a la luz con pequeños guiños. De exaltar su belleza desde gestos menores. Eso, Nicole Vial lo hace de manera dotada. Desde la discreta finura hasta la exuberante sensualidad, que en un momento estalla de manera matemática.

Su metamorfosis llenó de gracia el escenario del Varas.

Talento. Es de temer.

¿Quién le teme a Felipe Zepeda?

El joven galán, bien portado, políticamente correcto, juega en la obra un rol clave al gatillar el desenlace del drama aristotélico de Albee. Felipe Zepeda lo interpreta desde la sobriedad, que es el dato principal para descubrir y reconocer una buena actuación. Zepeda lo hace con cuidadoso hacer y que, finalmente, el espectador agradece. Es el personaje que se odia, por su ambición solapada y discreta que tiene un buen hipócrita sonriente.

Perfecto. Es de temer.

¿Quién le teme a Cristian Keim?

En todo caso, el culpable de todo lo acontecido en el escenario con la obra “¿Quién le teme a Virginia Woolf?” y del Teatro Nacional es Cristian Keim, su director. Él fue el responsable de mover los hilos de la puesta en escena. De hacer de la nada una producción propia de primer nivel.

Culpable de hacer una versión actual, de la mano con Edward Albee, y crear, desde el talento de su batuta, el tempo perfecto en que transcurren cada uno de los momentos de la obra.

Las dos horas y media de la duración de “¿Quién le teme…?” no dan tregua ni pausa a los espectadores que olvidan el reloj y el celular. Hay un hallazgo interesante en la presentación de los personajes y en la modelación de cada una de las interpretaciones.

Es notable la creación del encierro real, su atmósfera, de lo que se vive y muere, de las tragedias del odio y del amor. Si bien es cierto, originalmente, este drama contemporáneo sucede en los sesenta en Estados Unidos, Keim lo trae a un living con domicilio en nuestro país del siglo XXI.

Al final del estreno, me pareció ver a Agustín Siré aplaudiendo de pie y ver que también estaban en la sala, Pedro de la Barra junto a mi padre, el viejo Edmundo, gritando “¡Bravo!”. En eso, me crucé en un pasillo con Cristian Keim y emocionado le agradecí que había devuelto el alma fundacional del Teatro Experimental, del Ituch y el Detuch. Lo amenacé con denunciarlo. Hoy cumplo con hacerlo.

Culpable. Es de temer.

(Me preocupé por el presidente de la República, el ministro de Hacienda y la ministra de Cultura, que debieran ver esta obra de teatro. Así comprenderían la necesidad de recuperar un conjunto estable para el Teatro Nacional de Chile, para poder hacer temporadas de meses, giras en todo el país y en el extranjero, equivalentes a la historia del teatro. Desgraciadamente, el estreno de “¿Quién le teme a Virginia Woolf? solo podrá verse hasta 1° de junio… una temporada de 15 días…con butacas de 70 años.)

La entrada ¿Quién le teme a Cristian Keim? se publicó primero en Letras de Chile.

“La pregunta básica que me hice fue, qué es lo vivo y qué muere, o qué tiene que estar pasando en su interioridad en un ente para que yo, mirándolo desde afuera, pueda decir que es un ser vivo”.

Esta es una de las frases descollantes, una de las tantas que concentran el origen de su avidez por conocer sobre el origen de lo viviente, de Humberto Maturana (1928-2021), prestigioso y admirado biólogo, filósofo, Premio Nacional de Ciencias, 1994.

Ahora bien, ¿es posible escenificar teatralmente el impacto de la obra de Maturana tanto en el mundo de la ciencia como en los ciudadanos que lo admiran? Si es posible, cómo sería esta intrépida y osada manera de volcar en escena semejante contenido biológico-filosófico de uno de los científicos más prominentes de nuestro país.

Una de las respuestas es A los pies del árbol, reciente estreno en sala N1, (Edificio B, piso 2) del Centro Gabriela Mistral, GAM. Escrita y dirigida por Manuela Oyarzún, y protagonizada por Patricia Rivadeneira, esta obra no sólo articula y despliega en escena los hitos esenciales del maturanismo filo-genético sino además usa la sala teatral -actores-público-, como parte de los “sistemas autopoiéticos moleculares”, en otras palabras, la protagonista se pregunta “¿por qué se está en esta sala?”.

La esceno-arquitectura donde se sitúa A los pies del árbol está compuesta por dos enormes andamios metálicos de varios pisos que bordean los límites del suelo escénico (donde está escrita la frase “¿qué es lo vivo?”). En un extremo de estos andamios si sitúa el pianista y compositor musical de la obra, Alejandro Miranda, y en el andamio opuesto, está la directora-actriz-hablante, Manuela Oyarzún.

Al centro, como sogas entre dos murallas, se sitúan un entrevero enorme de cables que simulan las venas y arterias (algunas se iluminan) que simbolizan el mundo de Maturana, es un vasto tejido (también hay una argolla gigante) por donde se mueve con gran curiosidad Patricia Rivadeneira, especie de alter ego de Maturana.

Este cableado conjuga un acercamiento, a base de preguntas y repuestas, a la obra de este pensador y científico; esta opción estructural, realizada por Macarena Urzúa y Rodrigo Santa María (Siglo 22 Arquitectos) es, teatralmente, del todo eficaz, ya que motiva al espectador a adentrarse en la vasta jungla de ideas y conceptos de Maturana, como lo es la autopoiesis (“capacidad de los sistemas de producirse a sí mismos”), concepto que trabajó junto a otro gran neurocientífico, Francisco Varela.

TALENTOS MULTIPLICADOS

La música, tocada en vivo de manera magistral por Miranda, es una especie de latido íntimo que acompaña a la protagonista en todo su navegar por el mundo de Maturana; el otro hemisferio cerebral de este montaje autopoiético, tiene nombre y apellido, Manuela Oyarzún, artista múltiple, quien diseñó una puesta en escena donde las ideas y principios científicos se entrelazan a un ritmo actoral y juego visual de gran originalidad. Logró que esta suerte de medio monólogo se convirtiera en un trabajo actoral multidialogal, ya que la protagonista contó a ratos con ayuda de un asistente, como también fue la propia voz de Oyarzún, cargada de matices y de intenciones diversas, la que atiza permanentemente la labor de Rivadeneira.

Oyarzún fusionó lo teatral con los cimientos del pensamiento de Maturana logrando que A los pies del árbol sea comprensible para todo espectador (conozca o no la obra de este científico) su trabajo logra que el universo de Maturana sea más visible que nunca, recordemos que la palabra teatro, del griego theatron, significa “lugar para ver”, por tanto, lo que hizo Oyarzún fue lograr que los conceptos de Maturana “se vieran y se palparan” con más claridad que nunca. A eso se suma que tuvo a su cargo la escritura de este especie de sesudo “diccionario visual” del trabajo del neurocientífico que publicó en vida 21 libros, donde no sólo lo relaciona con Darwin, sino que hay citas de Platón, Buda, Brecht, entre otros autores.

Patricia Rivadeneira, la protagonista de este cruce de universos paralelos, se sitúa en el corazón de este juego teatral con una solvencia y sencilla naturalidad que asombra y seduce, no “hace de” sino que “explora a” Maturana en su íntima complejidad de científico y ser humano, dueña de una gran presencia escénica, esta actriz, que además interpreta a Darwin, se mueve entre estos cables y venas subterráneas como pez en el agua, algo así como un delfín de tierra y mar que integra las raíces teatrales de A los pies del árbol, el magnífico árbol del conocimiento del gran Humberto Maturana.

NOTA: Esta obra se podrá ver entre el 6 al 22 de octubre, de jueves a sábado, a las 21 horas y domingo, a las 20 horas.

Sala N1, (Edificio B, piso 2), Centro Gabriela Mistral, GAM, Alameda 227, Santiago.

La entrada Humberto Maturana y su autopoiesis llegaron al GAM se publicó primero en Letras de Chile.

Willy Haltenhoff Nikiforos

Primer movimiento, allegretto un poco mosso.

Una mesa con copas, vino, comida y siete comensales que vibran felices en el marco de una cena. A la cabeza de la mesa -de espalda, un violinista-, al fondo, mirando la pared, un piano eléctrico con su ejecutante. Cuando los instrumentos comienzan a ejecutar melodías, los invitados nacen a la vida sonora vocalizando saludos, diálogos, bromas, risas, copuchas, mientras comen y beben, todo lo propio que puede suceder en lo concerniente a un juerga de amigos, sólo que esta vez es la música la matriz generadora de los estados de ánimo de los invitados, no la única pero sí la más esencial.

El relato teatral tradicional esta vez no existe, ahora lo que vemos en escena es un atractivo tramado de interjecciones que su vez dialogan con la música emitida por ambos instrumentos, lo que se fecunda sobre el escenario es un espacio musical- teatral-gestual que empatiza de inmediato con el público, se ven tan felices que el espectador vibra como ellos. Este es, sin duda, el primer acierto de este montaje.

Así comienza Momento Variación, reciente reestreno en el Teatro la Memoria, (Bellavista, 0503) con autoría y dirección del compositor y director Angelo Solari, pieza que funde Momento N°5, trabajo encargado por las Universidades de Zurich y Berna para la inauguración de las jornadas magistrales de música en Suiza, durante 2014, y Tema con variaciones, estrenada en Chile en 2010.

Lo excepcional de Momento Variación es su potente armonía y equilibrio entre música con actuación sin relato teatral clásico, pisando terreno casi experimental; se modula en escena una gran libertad creativa, el ajuste íntimo entre nota musical, gesto e interjecciones es de un acierto enorme, nunca pierde atractivo para el espectador este juego de ver y oír a cantantes, actores y actrices modular corporalmente las notas generadas ya sea por instrumentos o por la voz.

Segundo movimiento, scherzo a capela

En la segunda sección de Momento Variación, los invitados trasladan la mesa más cerca de los espectadores, ahora son sólo cuatro, ya no está el violinista, aparece el ejecutante del piano, el mismo Angelo Solari, quien vestido de negro (emulando a los directores de música clásica), se instala al centro de estos actores ejecutantes (cada uno con su partitura en mano) y da inicio tal como un director de orquesta a un concierto basado sólo en la voz humana. Bien sabemos que muchos instrumentos musicales imitan el efluvio sonoro de la voz humana, entre ellos el que más se acerca a la sonoridad de la voz es el violín, y por eso es tan protagónico en Momento Variación.

Esta vez los ejecutantes, además de explorar sus voces musicalmente, tienen a su cargo la emisión de una frase breve que van alternando y repitiendo en forma monótona, el resultado es un concierto coral muy entretenido, no hay fisuras ni contratiempos en el lenguaje actoral-musical de estos creadores, concretan una propuesta que rompe paradigmas para hilar un novedoso tejido artístico, tomando riquezas propias tanto del teatro como de la música.

Otros aciertos de Solari son el manejo del silencio, tanto en la música como con las voces, y en la austeridad visual del espectáculo; potenció así la singular estructura musical-teatral de Momento Variación.

También sorprende la calidad en el manejo actoral de este joven director y músico, los 45 minutos que dura esta pieza sus actores-actrices-ejecutantes exudan una entrega emotiva que no decae nunca, cubren y colorean con gran fuerza expresiva las variaciones rítmicas que le exige la composición de Solari. Inmersos en el sonido actúan con nota sobresaliente.

Instrumentistas

Cabe destacar al elenco por la potente calidad que desplegaron; en la primera sección, Pablo Fuentes (gran motivador en la cena festiva), también mostraron gran solvencia Claudio Ravanal, Loreto Leonvendagar, Ana Corbalán, Elvira López, Claudio Ravanal, Santiago Meneghello y Mario Avillo, quienes dieron a Momento Variación, la magia y credibilidad actoral que exigía la original propuesta de este director-compositor.

Otro punto alto es el joven violinista Felipe Muñoz, ajustado y apasionado siempre, y la soprano Pamela Flores, cuya voz dibuja en escena momentos únicos.

En síntesis, se trata de un curioso y sorprendente concierto teatral-musical que activa desde el primer minuto la emoción en el espectador: estamos ante un espectáculo de los llamados imprescindibles.

FICHA ARTÍSTICA
Composición y dirección: Angelo Solari Parra
Elenco: Pablo Fuentes, Ana Corbalán, Elvira López, Claudio Ravanal, Santiago Meneghello, Pamela Flores, Loreto Leonvendagar, Mario Avillo, Felipe Muñoz
Producción: Pablo Fuentes
Prensa: Claudia Palominos.

COORDENADAS
15 de junio al 2 de julio
jueves a sábado, 20 h, domingos 19 h
$12.000 Gral., $8.000 personas mayores, $6.000 estudiantes
Duración: 45 min.Teatro La Memoria
Bellavista 0503, Providencia
https://ticketplus.cl/events/momento-variacion

William Haltenhoff Nikiforos es periodista (Universidad ARCIS, (1996), realizó el Diplomado de Estudios en Cine, en el Instituto de Estética de la UC. En 1992, colabora en suplemento La Iguana del diario La Nación. Luego ingresa como periodista a la sección Cultura y Espectáculos del diario La Nación, reportero área teatral del suplemento Tablero Vuelto. Se ha desempeñado en variados ámbitos de las comunicaciones, como la crítica de cine y teatro, así como difusión de actividades artísticas y creativas en general.

La entrada Concierto teatral-musical reestrena en el Teatro La Memoria se publicó primero en Letras de Chile.

Esta obra trata de la historia de tres hermanas: Bea, Ana y Yoli, quienes se reúnen el día del aniversario de la muerte de la madre. Reavivadas por el vino y la comida (que van dando cuenta de la condición de anoréxica y bulimia de dos de ellas) nos enteramos de ésta y otras tragedias en la escena familiar.

Destaca la dramaturgia de mujeres cuyos temas son la intimidad familiar y los conflictos pasado- presente, o bien, la rivalidad ancestral entre las tres hermanas.

Hay una imagen victimizada de la madre y una visión negativa del padre quién –no se dice, pero se oculta en el texto- habría tenido una relación incestuosa con una de ellas.

Por tanto, el cuerpo aparece como signo: Cuerpo y alimento- comida-obsesión permanente. Relaciones de amor-odio que dan cuenta de aspectos psíquicos profundos, de grandes heridas en el alma de las tres mujeres.

La sexualidad está planteada como un fracaso en las tres: carencia- exceso- calidad – cantidad. Se cuestionan las prácticas femeninas y los cánones de la belleza. Aparecen los referentes de siempre: Marilyn Monroe y Sofía Loren.

El proyecto original de salir a comer como parte del recordatorio de la madre se convierte en una horrible frustración.

El diálogo es altamente provocador, violento, de una virulencia y crudeza inimaginables.

El vino impulsa las palabras soeces y mal intencionadas; la conversación se teje entre un mundo cerrado, familiar, feroces experiencias íntimas compartidas, la culpabilidad como una realidad ineluctable.

Matin Van Veldhuizen, su autora, nace en 1948 en Holanda, entró al mundo del teatro como la  encargada de catering para el grupo Teatro Independiente, en el que luego empezó a trabajar como actriz, directora y dramaturga. Su primer texto fue JANE, basado en la vida y obra de Jane Bowles, un verdadero descubrimiento de lenguaje, estilo y técnicas de actuación.

La entrada Comida, de Matin Van Veldhuizen se publicó primero en Letras de Chile.

Obra escrita por el joven dramaturgo genovés Fausto Paravidino, ganador del premio Ubu 2001. La historia se desarrolla en la cocina de un departamento de ciudad con los personajes Lev, Boris y Erika. Lev y Boris son hermanos; el primero es pasional y posesivo, y el segundo, el mayor, es ordenado y tierno. Boris está enfermo de epilepsia y Lev con probabilidad sufre de una particular forma de depresión.

La relación entre Lev y Boris está en peligro a causa de la presencia ambigua de Erika, compañera de piso y amante antes de uno y después del otro hermano. La joven es un verdadero elemento extraño y molesto en la relación de los dos; de hecho, Erika será alejada para que no pueda más molestar: Lev la matará.

El lenguaje es fluido con muy pocas acotaciones del autor. Construido a partir de frases cortas y asertivas en la cual los tres personajes hablan y discuten, se ponen de acuerdo, se alteran, se callan. La relación es extraña. Erika es “compartida” por los hermanos. Ella es desordenada – lo cual atenta al carácter neurótico de uno de sus hermanos que persigue la limpieza a como de lugar- altanera, deseante, a veces aburrida y pánfila. Despierta el deseo así como el odio. Relaciones bipolares, complejas, celosas.  Llama la atención que el espacio en el cual acontece esta historia es cotidiano y sin alardes de escenificaciones ambiciosas: de la cocina al pequeño living, del living a la cocina. Los desplazamientos son en tiempo presente lo cual le entrega celeridad al relato dramático.

El propio asesinato de la amante, al final de la obra, es limpio, sin alardes y asumido con una naturalidad extraña por parte de los dos hermanos. Esa actitud de indiferencia parece dar cuenta de una enfermedad entre ellos – cuyos padres no están presentes, pero sí son nombrados – como parte de una superrealidad deseada.

El estilo “pinteriano” y minimalista caracteriza la obra Due Fratelli, tragedia en 53 días, donde se representa la insatisfacción, angustia y opresión de los tres personajes. Con su ironía y su inmediatez, el texto y la puesta en escena de la compañía italiana, se dibuja una humanidad caracterizada por relaciones inestables.

Fausto Paravidino nació en Génova el 15 de junio de 1976 y pasó toda su infancia y su adolescencia en Rocca Grimalda, un pueblo de 1310 habitantes del Bajo Piamonte. Siguió cursos de arte dramático en el Teatro Stabile de Génova y formó parte de la compañía de Jurij Ferrini. Autor de numerosas obras teatrales, en octubre de 1999 pone en escena su primer texto (escrito en 1996), Trinciapollo. El año anterior, su pieza Due fratelli obtuvo el premio “Ubu”, ya que “la fuerza del texto, acogido con entusiasmo por el jurado como un soplo de aire fresco, está incluso en el cierre de la obra y, paradójicamente, la autosuficiencia que le permite permanecer como en suspenso, reproduciendo, al mismo tiempo, por juegos de espejos, la mecánica del cotidiano; es un texto ligero que no sube a la cabeza pero expresa una necesidad sincera y nos divierte y nos perturba porque nos concierne a todos”.

La entrada Dos hermanos, de Fausto Paravidino se publicó primero en Letras de Chile.

VICUÑA MACKENNA 602, PROVIDENCIA, METRO STA. ISABEL

FONO: 2228298.

FUNCIONES
19,20,21 Y 22 DE JULIO

DIRECCIÓN: CRISTAN IDEÁQUEZ
DISEÑO INTEGRAL: ROBERTO PAVEZ
ELENCO: NELDA MURAY, ORLANDO ALFARO, ÍTALO LEÓN, CONSTANZA RAMÍREZ, NATALIA BRONFMAN, NICOLÁS MORENO.

PREVENTAS DOS POR UNO A $ 3000 ESTUDIANTES Y $ 4000 GENERAL.

 Pedirlas a Natalia.bronfman (arroba) gmail.com

La entrada Pasos Ciegos se publicó primero en Letras de Chile.

Por Rodrigo Miranda – La Tercera 17/08/07

En 1941 Gabriela Mistral arribó al consulado chileno en Petrópolis, Brasil, para cumplir funciones diplomáticas. Proveniente de Europa, la premio Nóbel escapaba de la Segunda Guerra Mundial. La acompañaba Yin Yin, un muchacho de quince años, al que llamaba hijo en la intimidad y sobrino en público: ser madre soltera no era bien visto en esa época.

Dos años después, el adolescente de ojos verdes azulados y de gran parecido a Mistral, se suicidaría con arsénico.

«Mi Yin murió el 14 de agosto, hace tres meses. Parece ayer, así infeliz, mi pobre memoria viva», escribió la poeta en una carta. Esta frase sirvió de epígrafe para la obra teatral Petrópolis, el dolor de Gabriela, escrita por el dramaturgo Juan Claudio Burgos, que se estrenará el 3 de septiembre en la Sala Antonio Varas del Teatro Nacional Chileno, en una versión dirigida por Exequiel Tapia.

El elenco de la compañía  Teatro del Ciudadano está compuesto por Nelda Muray (Mistral) y Diego Ruiz (Yin Yin), junto a Carolina Araya, Constanza Ramírez, Natalia Bronfman, Italo Gallardo, Juan Pablo Rahal, Gabriel Cañas, Moisés Norambuena y Matías Briceño.

«Según el epistolario de Mistral, su hijo fue obligado a ingerir el veneno. Como había sido criado en Europa, ahora era hostigado. Le decían el francesito«, apunta la actriz Nelda Muray.

El estreno del montaje coincide con la llegada del legado de Mistral a la embajada de Chile en Washington, ocurrida la noche del miércoles. Dentro de esos documentos precisamente se encontraron fotografías inéditas junto a Yin Yin, siete meses antes de su muerte.

La muerte de Yin Yin

La poeta del Elqui dejaría huellas en Petrópolis. En la ciudad, ubicada a 75 kilómetros de Río de Janeiro y fundada en 1843 por el emperador Pedro II, la biblioteca municipal lleva su nombre y en el cementerio de la localidad descansaron hasta septiembre del 2005 los restos de Juan Miguel Godoy, el verdadero nombre de Yin Yin, hoy emplazados en Montegrande, junto a la tumba de Mistral.

La tarde del 13 de agosto de 1943, la autora de Desolación veía una película en un cine. Pero no pudo terminar la cinta. Fueron a buscarla del consulado: Yin Yin, de 18 años, había ingerido arsénico. En un hospital, el muchacho agonizó hasta el día siguiente.

Esta muerte hasta hoy es un misterio. Educado en Europa, el adolescente nunca se acostumbró a Brasil. Tímido y con una deformación en la espalda, se sentía desarraigado. En Petrópolis se enamoró de una mujer mayor y soñaba con convertirse en escritor.

De los textos de Yin Yin, sólo se conserva una nota de despedida donde dice «no he sabido vencer, espero que en otro mundo exista más felicidad».

Petrópolis, o la invención del suicidio

Dramaturgo: Juan Claudio Burgos

Director: Ezequiel Tapia

Elenco: Nelda Muray  

Diego Ruiz

Carolina Araya

Constanza Ramírez

 Natalia Bronfman

Italo Gallardo

Juan Pablo Rahal

 Gabriel Cañas

Moisés Norambuena

Matías Briceño.

Estreno: 3 de septiembre

Teatro Nacional Chileno

Morandé 25. Santiago.

Fotos: Sumiko Muray

La entrada Estreno de «Petrópolis, o la invención del suicidio» se publicó primero en Letras de Chile.